Arrive ensuite les scènes ou le personnage de Walt dévoile son "bon" côté, en chassant les méchants membres d'un gang local qui veulent embrigader le fils de ses voisins, qu'il déteste cordialement. Comme si ça ne suffisait pas, on ecnhaîne avec une seconde scène où Walt vole au secours de la fille de ses voisins (voisins qu'il déteste cordialement, je rappelle), sur le point de se faire molester par 3 grands noirs, forcément méchants et agressifs puisque le film est placé sous le signe de la nuance...

Clint raccompagne ensuite la jeune fille en voiture et, en l'espace d'une dizaine de minutes, ses à-priori négatifs envers les personnes d'origine asiatique commencent à voler en éclat. Certes, le message est positif et plaisant, mais qu'en est-il de la cohérence du point de vue de la psychologie des personnages ?
Pourquoi un type de 75 ans, grognon et bourru, vétéran de la guerre de Corée, raciste, réac, patriote jusqu'à l'os et porté sur le revolver verrait ses convictions s'évaporer en 10 mn de conversation avec une adolescente ?
Il y a là un raccourci, une facilité délibérée que je trouve gênante pour la crédibilité de l'histoire.
De même, lorsque la même jeune fille vient lui proposer de participer à un barbecue au sein de sa famille, il ne faut à Walt que 15 secondes d'hésitation avant d'accepter. 

L'idée aurait pu fonctionner, à mon humble avis de pseudo-scénariste, en glissant quelques failles d'humanité dans la caractérisation du personnage de Walt, au cours de la scène d'exposition. Or il n'en est rien. On nous présente un roc (ou un personnage qui se donne l'apparence d'un roc, argueront les défenseurs du film) et 1/4 d'heure plus tard, nous avons un nounours apprivoisé par ses voisins.
Mais si sa dureté n'etait qu'apparente, sommes nous devins pour voir les failles sous-jacentes chez ce personnage ? Devons nous accepter quelques facilités scénaristiques pour nous en convaincre ? Je suis perplexe...


A cela s'ajoute le problème des monologues surexplicatifs de Walt Kowalski, comme celui là, assez édifiant : "Je me sens plus proches de ces faces de citron que de ma propre famille".
Comment ne pas tiquer à l'écoute de ce type de phrase qui résume de manière grossièrement didactique le contenu de plusieurs scènes paradoxalement plutôt bien écrites où l'on comprend que Walt n'est pas très proche de sa famille alors qu'il se rapproche inexorablement de ses voisins d'origine étrangère ?

C'est, à peu de choses près, comme si à la fin du Parrain 2, Michal Corleone lâchait avant de mourir : "je suis devenu ce que je refusais d'être, je me suis éloigné des miens, de mes propres enfants, j'ai perdu ma fille, j'ai tué mon propre frère, quelle tragédie a été ma vie".
Inutile.
Le film vient de nous l'expliquer pendant 2h40.


Côté acting, Clint livre le service minimal, avec deux expressions facuiales en stock :

1 - l'air renfrogné de celui qui fait la gueule depuis sa naissance. Yeux mi clos, machoire serrée, gestuelle quasi inexistante, c'est LE style eastwoodien dans son plus simple appareil. Des fois ça passe. Là, on a un peu l'impression que ça fait 20 ans qu'il joue le même personnage. 

2 - la grimace de colère qui flirte souvent avec le grotesque, vestige de l'époque de Dirty Harry où, en plus de tenir un 357 Magnum à la main, ilm fallait également faire peur avec une grimace appropriée. 

Le reste du casting assure, comme souvent chez Eastwood, à l'exception notable du gamin en demi teinte qui, s'il est très bien dans les séquences où il faut en faire peu, montre vite ses limites lorsqu'il s'agit de "lâcher les chevaux", comme dans la scène où il exhorte Walt à le libérer de la cave, vers la fin du film.

Enfin, le film baigne dans un dégoulinage de bons sentiments autour des vieux thèmes du changement, de l'acceptation de la différence, de la fraternité, sans oublier l'inévitable rédemption finale qui grille un peu la scène de fin, qu'on sent arriver de loin.

Au final, et malgré ma diatribe acerbe, Gran Torino n'est pas un mauvais film. Son scénario manque parfois de cohérence et sa mise en scène est un peu trop didactique. Il y a également de très bonnes choses dans ce film, à commencer par la photo magnifique de Tom Stern, les scènes avec le coiffeur (impeccable John Carroll Lynch, très remarqué dans "Zodiac" de Fincher) et quelques scènes entre Walt et l'ado, pas désagréables.

Mais on est loin, très loin, du chef d'oeuvre annoncé par tous, d'où ma déception en regard de l'attente suscitée par le film.

Mise à jour du 10/07 : je viens de tomber sur cet excellent article qui reflètre avec brio le fond de ma pensée : http://drorlof.over-blog.com/article-28438160.html    

Anthony Le Foll taille une bavette à Robert Duvall

C’est décidé, je lance un remake français qui s’intitulera « Chanceux toi ». Avec Eric Le Foll, Célia Pilastre et Philippe Vieux dans le rôle tenu par R. Duvall.

Le casting est d’ailleurs impeccable, avec un Steeve Mc Queen à son top (35 ans à l’époque), un Edward G. Robinson parfait dans son personnage de roi sur son trône, et un karl Malden fantastique de vulnérabilité dans le rôle de celui qui n’est plus que l’ombre de l’homme qu’il fut. Ajoutez une Ann Margret aussi sexy que magnétique, un Rip Torn des grands jours et vous avez un casting d’une qualité rare.

J’essaierai de donner une suite à cet article en commentant d’autres films consacrés au poker comme « Les Joueurs » avec Matt Damon , « Deal » avec Burt Reynolds, « High Roller, the Stu Ungar Story », « Maverick »,

 

Impressionné par le plébiscite de la critique en sa faveur, je suis allé visionner hier soir le dernier opus des frères Coen, « No Country for old men » (bien meilleur que la bancale traduction française : « Non, ce pays n’est pas pour le vieil homme » (sic)).

Tout ça est très chouette.

 

Au final, mitigé je suis...

Dès les premières minutes de film, le truc qui frappe assez rapidement, c'est à quel point ce film est HYPER bavard. Et cette tendance se vérifie dans 80% des scènes du film.
D'autant plus que toutes ces palabres tournent généralement à vide : "comment se procurer de la beu", "qui baise qui sur le tournage", "comment ? tu connais pas "Vanishing point ???" au autres discussions tarantiniennes de geek (pléonasme), débitées avec l'emphase si caractéristique de l'expression orale de Tarantino.

On a rapidement l'impression que tout le monde imite Tarantino dans le film, à l'exception notable de Kurt Russel, vieux sphinx déterré par la nostalgie cinéphilique bis du grand Quentin, qui prend son temps pour débiter ses savoureuses répliques, à l'instar d'un Samuel L. Jackson dans "Pulp Fiction" ou "Jackie Brown".

Comme toujours chez Q.T., le casting est IMPECCABLE. 
Kurt Russel hypnotise la caméra de son regard bleu acier, fige nos esgourdes de sa grosse voix grave et trainante, qui d'ailleurs fait merveille (servie, il est vrai, par les dialogues du maître) le temps d' une scène mémorable sur la véranda d'un bar texan, dans la première partie du film.

 
En face, les girls assurent un maximum. Tout d'abord, Sydney Tamiia Poitier, fille de Sydney Poitier, sublimement belle et excellente actrice, et Vanessa Ferlito, remarquée dans la 3e saison de "24", qui nous gratifie ici d'une scène de lap dance qui fera probablement date dans les annales des scènes de danse au cinéma.
Dans la seconde partie, le trio Rosario Dawson, Tarcie Thomas et Zoe Bell fait merveille.
Toutes les trois ont un réel charisme, en plus d'être des actrices indubitablement douées.

Côté réalisation, il y a des bons points et des mauvais points.

Parmi les mauvais, on notera que Tarantino s'auto cite constamment (travelling à 360° durant le dialogue à la "Reservoir Dogs"), sonnerie de téléphone façon sifflotement de Daryl Hannah dans Kill Bill, histoires de "foot massage" façon Pulp Fiction...
Le gars semble s'être érigé un temple à sa gloire, et chacun de ses films ressemble à un pèlerinage dans ce lieu sacré.

Signalons aussi les réproductions fétichistes des imperfections des copies des films grindhouse : image qui saute, pellicule rayée, faux raccords causés par des pellicule coupées et mal rafistolées, passage de la couleur au N&B, etc...
Tarantino pousse le vice jusqu'à simuler une grossière erreur de cameraman dans lapremière partie du film, ou l'image dézoome 1 seconde, avant de se stabiliser pour rezoomer sur le visage de la comédienne.
Comme si le cadreur avait fait une boulette, et que le montage avait été tellement bâclé que la prise défectueuse avait finalement été incluse au montage final du film.
Un peu gros... 

Parmi les bons points, signalons une INCROYABLE (et je pèse mes mots) séquence de collision entre deux bagnoles, comme je n'en avais jamais vu au cinéma de toute ma vie. Le montage de cette séquence est vraiment énorme, la musique, les plans alternés, les cadres, tout est fait pour clouer le spectateur sur son fauteuil : c'est très réussi.
Hallucinante également est la scène de poursuite de fin du film. Course poursuite insensée, avec des cascades jamais vues en ce qui me concerne.

Et comme toujours, la bande son est impeccable...

Mais le plus intéressant à mon goût est à l'extérieur du film.
Je veux parler de la formidable Interview accordée à Cannes par Tarantino aux "Cahiers du Cinéma", à l'occasion de la première projection française du film.
Q.T. y fait une analyse en profondeur d'un film qui paraît pourtant léger au premier visionnage.Il démontre par ses propos que rien, dans son cinéma, n'est gratuit. 
Sa manière de filmer, comme ce qu'il filme à l'écran, tout est le fruit d'une mûre réflexion.

Ce qui est extrêmement frappant en lisant cette interview, c'est de constater à quel point Tarantino assume son ego surdimensionné. 
Il n'hésite pas à balancer des phrases du type "Je veux écrire des dialogues dont on parlera éternellement", "Je suis quasiment un auteur de théatre", "J'ai travaillé comme un malade pour faire de "Boulevard de la Mort" un grand film qui entre dans l'histoire", etc...

A un moment, on comprend que l'affirmation de son ego est étroitement liée à ses grandes ambitions de réalisateur. En vérité, il livre les clés de la qualité des scènes marquantes de ses films lorsqu'il dit :

- "Le "un contre cent" de Kill Bill, c'est moi, Quentin, en train d'interpréter un grand morceau classique, un archétype cinématographique. Quelquechose que je n'avais pas essayé jusque là.
Si donc je me mets en tête de réaliser une scène de ce type, mon but n'est pas qu'elle soit bien.
Je ne souhaite pas un résultat passable.
Je ne vais pas jeter mon chapeau dans l'arène pour voir ce que ça donne.
Je veux que cette scène soit une des meilleures jamais réalisées dans sa catégorie, sinon la meilleure."

Au final, Tarantino soulève des questions que tout réalisateur devrait se poser un jour. 
"Ai-je l'envie de me casser le cul à trouver des idées qui feront que ma scène ambitionnera de marquer l'histoire du cinéma ?" (avec la dualité ambition-prétention que ça suppose).
"Ou pas ?"
On dira ce qu'on voudra de la prétention du bonhomme, sa démarche mégalomaniaque est, dans un certain sens, le moteur de son ambition et finalement, de la qualité de ses films.

Je trouve tout ça très intéressant.

Quoi qu'il en soit, je vous recommande la lecture des "Cahiers" n°624, juin 2007.
Cette interview vaut son pesant de cacahouètes...